Orquesta Romántica

La orquesta experimenta un gran desarrollo, sobre todo gracias a los avances de Hector Berlioz y Richard Wagner. El número de instrumentistas sigue aumentando hasta el siglo XX, lo que obliga a incluir más cuerdas, maderas y percusión, para conseguir un equilibrio tímbrico.  Berlioz, por ejemplo, llegó a componer obras para ser interpretadas por más de 500 músicos.

• Destaca en esta época el perfeccionamiento técnico de las válvulas y mecanismos de los instrumentos de viento metal. 
• El trombón se establece como integrante de la orquesta. 
• Se refuerzan los graves con los nuevos prototipos de tubas. 
• Se añade el arpa, así como el piccolo, el clarinete bajo, el corno inglés, el contrafagot, la celesta...
• El piano aparece ocasionalmente como miembro de la orquesta, no únicamente como solista.
• La percusión es la sección que más tardará en tomar su forma definitiva, utilizándose instrumentos como las castañuelas y los platos para conseguir diversos efectos sonoros. 
• El papel de director se independiza definitivamente del primer violín, llegando finalmente a ser considerado un artista por derecho propio, un intérprete cuyo instrumento es la orquesta.

Concierto

Esta forma tiene su fundamento en la circunstancia de que diversos instrumentos (o agrupaciones de ellos), alternan su papel durante el transcurso de la obra, destacando unos u otros en determinados momentos y complementándose todos juntos en otros.

Básicamente podemos distinguir entre tres clases conciertos: El concierto da chiesa (eminentemente vocal) perteneciente al género religioso. Un acompañamiento instrumental dada respaldo a la voz. Su estructura se puede asimilar a la de la cantata.  El concierto grosso, en el que dos grupos instrumentales (uno más pequeño llamado concertino y otro mucho mayor llamado ripieno o grosso, que es El conjunto orquestal) mantienen una especie de “enfrentamiento musical ” en la que cada grupo parece intentar destacar en diversos momentos. El concierto de solista. En él, un solista se en enfrenta a toda la orquesta. En esta aceptación del concierto, la parte solista suele hacer gala de un gran virtuosismo instrumental.

Compositores Neoclasicos

Joseph Haydn, Sus primeros cuartetos de cuerdas y sinfonías de las cuales compuso 106 llamaron la atención del príncipe Pablo Antonio Estherházy y empezó a trabajar al servicio de ésta familia.  Compuso sinfonías, cuartetos de cuerda  y conciertos, además de numerosas óperas que ya no se interpretan. Sus obras más famosas son “La creación” y “Las estaciones”.

Wolfgang Amadeus Mozart, uno de los compositores más célebres de la historia de la música occidental. 

Ludwig Van Beethoven. Personaje fundamental en la historia de la música occidental. Su obra transmite tanta fuerza e intensidad, y su lógica conceptual es tan formidable que sus composiciones no han dejado de sonar nunca en las salas de conciertos desde que fueron compuestas. Su obra verdadero testamento a la fuerza de su personalidad de su música, marcó el final del periodo clásico e impulsó la música hacia el romanticismo del siglo XIX, personificando los trastornos políticos y filosóficos que acompañaron el cambio del siglo y el arquetipo del genio musical. 

Tal vez su floreciente carrera como pianista sea la causa de su amplia producción para piano. Sin embargo, sentía el deseo de diversificarse por lo que empezó a cultivar otros géneros diferentes escribiendo su primera sinfonía. 

Neoclásico

El neoclasicismo fue una corriente de la música contemporánea del siglo XIX-XX que se manifestó especialmente en el periodo de entreguerras. 

Sus características son un retorno a los grupos instrumentales pequeños (de cámara) en lugar de la gran orquesta; uso de la técnica del concerto grosso; énfasis sobre las cualidades contrapuntísticas; y la elusión de la expresión "emocional" típica del romanticismo que surgió durante muchos años.

Después de la Primera Guerra Mundial varios compositores realizaron composiciones donde se notaba un retorno a los cánones del Clasicismo de la escuela de Viena (de Haydn y Mozart), aunque con una armonía mucho más disonante y rítmicas irregulares. Ese movimiento musical se denominó "música neoclásica".

Orquesta Filarmónica

Es una agrupación o conjunto musical de gran tamaño que cuenta con varias familias de instrumentos musicales, como el viento madera, viento metal, percusión y cuerda. Una orquesta sinfónica o filarmónica tiene, generalmente, más de ochenta músicos en su lista. 

La orquesta de cámara o sinfónica típica consta de cuatro grupos proporcionales de instrumentos musicales similares, por lo general aparecen en las partituras en el siguiente orden (con sus respectivas proporciones indicadas):

• Viento madera: 1 flautín, 2 flautas, 2 oboes, 1 corno inglés, 2 clarinetes y 2 fagots. Ocasionalmente también se incluyen 1 clarinete bajo o 1 contrafagot y saxofones
• Viento metal: de 2 a 5 trompetas, de 2 a 6 trompas, 2 o 3 trombones tenores y 1 o 2 bajos. Ocasionalmente, 1 tuba.
• Percusión: varía muchísimo dependiendo de la obra, pudiendo encontrar timbales y caja.
• Cuerdas: 40 violines, de 8 a 12 violas o más, de 8 a 12 chelos o más y de 5 a 8 contrabajos o más. Ocasionalmente también se incluyen arpa y piano.

 Así, los instrumentos de cuerda se sitúan al frente, de más agudo a más grave, detrás se colocan los instrumentos de viento, primero madera y luego metal, y al final se colocan los instrumentos de percusión y el piano.

Poema Sinfónico

El poema sinfónico es un tipo de composición orquestal de forma libre, donde se desarrolla un tema poético, dramático, descriptivo. 

El nacionalismo romántico hizo acopio del poema sinfónico para desarrollar sus ideas nacionalistas.

Dos compositores destacados en la composición de poemas sinfónicos son Berlioz y R.Strauss. Del primero podemos destacar: Harold en Italia y Romeo y Julieta. Del segundo, Till Eulenspiegel, Don Juan, Vida de héroe y Muerte y Transfiguración.

Hay que aclarar que, aunque el poema sinfónico esté programado para describir ciertas situaciones poéticas y dramáticas, esto no quiere decir que su estructura sea totalmente libre. Hay innumerables ejemplos de poemas sinfónicos compuestos bajo la forma rondó, y muchos de ellos bajo el nombre de sinfonía. En todo caso, el compositor estructura la forma del poema sinfónico de la mejor manera para expresar su contenido sentimental.

Compositores Impresionistas

Claude Debussy: 

Isaac Albéniz

Kevin MacLeod 

Manuel de Falla

Joaquín Turina

Impresionismo

El impresionismo se caracteriza notablemente por una tendencia a notar las impresiones fugitivas, la movilidad de los fenómenos climáticos, más que el aspecto estable y conceptual de las cosas, y a transportarlas directamente sobre el lienzo. El impresionismo tuvo igualmente una gran influencia sobre la literatura y la música de esa época. 

El movimiento fue bautizado como impresionismo basándose en un cuadro de Claude Monet llamado "Impression soleil levant" pintado en 1872.

La música impresionista nace a partir de esto, se caracteriza por una escritura no lineal en el tiempo, es más bien como una sucesión de impresiones. 

En las formas impresionistas lo que importa es el colorido o sonoridad de cada acorde con independencia de las disonancias que estos puedan llegar a crear con sus choques con los demás acordes.

En las obras se podían llegar a emplear escalas orientales y exóticas. Además, las formas no tienen una estructura clara. 

Música de Cámara

El término Orquesta de Cámara, se basa fundamentalmente en el lugar donde se ejecuta la música, es decir Cámara, o espacio pequeño (en comparación con los salones de concierto o teatros), como solían ser salones de residencias o palacios, donde se ejecuto inicialmente esta música. 



No tiene especificaciones en cuanto al tipo de instrumentos que la forman, pero las clásicas orquestas de cámara, han surgido prácticamente con el Barroco, siendo las cuerdas los instrumentos principales o mas frecuentes.

Compositores por país

Rusia: 

En este país destaca fundamentalmente el llamado Grupo de los Cinco: 

• Glinka: Es el primer músico importante de Rusia. Aunque predomina el estilo italiano en sus obras, los coros ya introducen melodías populares y folklóricas.
• Borodine: Con él comienza el Grupo de los Cinco. ,
• Rimsky-Korsakov: su característica principal radica en su cromatismo, técnica musical que consiste en el empleo de bemoles y sostenidos, consiguiendo de la orquesta timbres no manejados hasta el momento. 
• Mussorgsky:  Fue un precursor, hasta el punto de que se le considera el menos clásico del grupo. Se puede decir que su música brota de un instinto espontáneo que renueva constantemente los temas más bellos de la música del pueblo
• Chaikovsky:  Es contemporáneo del Grupo de los Cinco, pero quizá el más conservador de los músicos rusos. 

Hungría

• Bela-Bartok. Su importancia no sólo radica en sus composiciones, sino también en la doble faceta que presenta como musicólogo. Para él, la verdadera música popular tiene una transmisión oral, hay que ir a las aldeas a recogerla.
• Zoltan Kodaly: Es el colaborador de Bartok con el que va a buscar y clasificar una multitud de melodías y ritmos. En su producción se aprecia un clarísimo tinte nacionalista. 

España

• Isaac Albéniz: Muchos de sus trabajos del piano reflejan su herencia española. 
• Enrique Granados:  Igual que Albéniz, se expresa ante todo en el piano con obras como Danzas Españolas y Goyescas, muy relacionadas con la música del siglo XVIII.
• Joaquín Turina 
• Manuel de Falla: sus obras impregnan el carácter nacional (en muchas ocasiones andaluz) con casi todos los movimientos de vanguardia europea. 

México

• Manuel M.Ponce: se dedicó a crear una obra musical basada en temas del folclore mexicano, combinándolos con el estilo romántico europeo de su época. Compuso para varios instrumentos, especialmente la guitarra. Fue el primer compositor mexicano cuya música tuvo proyección internacional, y su nombre fue ampliamente reconocido en el extranjero.
• Carlos Chávez: Su música estuvo influenciada por la culturas nativas de México. De sus seis sinfonías, la segunda, llamada sinfonía india, que utiliza instrumentos de percusión Yaqui, es quizás la más popular de este compositor a nivel mundial.
• José Pablo Moncayo: El Huapango está basado en tres sones provenientes de la rica tradición musical del Estado de Veracruz. «El Siquisiri», «El Balajú» y «El Gavilancito», y es una de las piezas más emblemáticas dentro de la música mexicana de concierto. 
• Silvestre Revueltas: Compuso música para películas, de cámara, canciones y algunos otros trabajos. Su lenguaje musical es tonal pero en ocasiones disonante, con vitalidad rítmica, y con frecuencia con un sabor distintivamente mexicano.
• Salvador Contreras Sánchez: Fue, sobre todo, un compositor de música instrumental, dominado por la idea de considerar a la música como un arte autónomo e independiente de cualquier otro medio de expresión. 

Estados Unidos 

• Charles Cadman
• Arthur Farwell: Farwell trabajó con música americana nativa, pero también estudió canciones populares americanas, anglo-americanas y africanas, así como música mexicana y vaquera.

Reino Unido

• Joseph Parry 
• Charles Villiers Stanford 
• Alexander Mackenzie: Los arreglos preparados y publicados de Mackenzie de canciones populares escocesas, y muchas de sus composiciones contienen elementos populares.

Música Nacionalista

La música nacionalista nace a la luz de un movimiento político que lleva su misma denominación y que tiene como finalidad lograr la independencia o unificación de un determinado territorio o territorios, que mantienen una unidad geográfica, cultural, linguística o folclórica. La música nacionalista surge con el nacionalismo político y desaparece cuando las ansias nacionales han sido satisfechas o se han disipado. 

El nacionalismo musical va a aparecer con notable fuerza en aquellos países que han estado marginados de grandes corrientes artísticas, culturales y científicas. 

• Búsqueda de identidad. 

• El folklore pasa a ocupar un primer rango como forma de expresión musical.

• Ya no se compone en formas aristocráticas y burguesas como la sonata, cantata, concierto, etc., sino que se recurre a las formas tradicionales propias del pueblo. 

• Incorporación de nuevos lenguajes armónicos.

Cabe resaltar que mientras que el nacionalismo musical tiene especial impacto en una serie de países como España o Rusia, también alcanza gran impacto en zonas más extensas que abarcan un grupo de naciones como los Países Escandinavos, Sudamérica o los países eslavos.

Formas musicales del Romanticismo

Las principales formas musicales del Romanticismo son las siguientes: 

• La sinfonía romántica: Aumenta su complejidad, ya que el número de temas se incrementa, y se dificulta el carácter melódico. La tonalidad pasa a ser más cromática y colorida. Se introducen elementos ajenos al medio como la voz y los coros.  

• Preludio: pieza en un solo tiempo, de corta duración y con características de virtuosismo, escrita principalmente para piano.

• Bagatela: composición corta para piano y sin ninguna pretensión. 

• Concierto: sigue teniendo tres movimientos aunque se experimentará con la estructura en cuatro. Fueron muy apreciados los de piano y violín aunque prácticamente se compone para casi todos los instrumentos de la orquesta. El concierto favorece el virtuosismo del intérprete.

• Estudio: Originalmente fue una composición que tenía por objeto que el ejecutante mejorara su nivel técnico a través de su estudio y ejecución. Pero las composiciones de este tipo llegaron a tener un nivel tan extraordinadio que se convirtieron en temas para demostrar el alto nivel de cada interprete. 

• Impromptu: Obra no sujeta a ninguna norma y en la que el ejecutante tiene libertad de improvisación. 

• Lied: El término lied hace referencia a una composición de cortas dimensiones para ser interpretada por la voz humana acompañada de pocos instrumentos, regularmente por el piano.

• Poema sinfónico: La finalidad del Poema Sinfónico es describir con música la trama de una historia que cuenta con un programa. En muchos Poemas sinfónicos los personajes son representados cada uno por un instrumento que es ejecutado cuando se hace referencia al personaje en cuestión. Esta forma musical está escrita en un sólo movimiento y para ser ejecutada por una orquesta.

• Nocturno: Composición de carácter apacible y sentimental con una delicada y expresiva línea melódica.

• Polonesa: Danza de salón, escrita en compás ternario y de ritmo rápido, está basada en los aires folklóricos de Polonia.. 

• Rapsodia: Forma musical de estructura libre, de un solo movimiento, en el cual se presentan arrebatos musicales basados en los ritmos tradicionales de los países.

Fuentes: http://maestro_abdhull.blogia.com/2006/053002-formas-musicales-del-periodo-rom-ntico.php

Período romántico

El Romanticismo fue un período que transcurrió, aproximadamente, entre principios de los años 1820 y la primera década del siglo XX. 

En este período se busca la emoción, el sentimiento y la espontaneidad, ya que se tenía entendido que habían diversas realidades inevitables que sólo se podían captar con estas sensaciones, y la música lo expresaba. 

Se amplió la estructura de la sinfonía cuya forma adquirió mayor flexibilidad; se destacó la parte melódica, y se enriqueció el lenguaje armónico, así como el ritmo; los romántico hicieron del piano el rey de los instrumentos, los compositores escribían obras para él con un alto grado de complejidad.

Sobresalen en este período músicos como: 

• Franz Schubert (1797-1828): popularizó y dio gran jerarquía artística a pequeñas obras pianísticas como los intermezzi (interludio instrumental). 

• Robert Schumann (1810 1856): desarrolló una forma pianística al combinar piezas breves unidas por una idea poética central. 

• Félix Mendelssohn (1809-1847): creó un nuevo género con su obra para piano "Canciones sin palabras". 

• Frederic Chopin (1810-1849): sin duda fue Chopin quien más destacó en el romanticismo, cultivando con éxito la música para piano.

Entre las nuevas formas orquestales que atrajeron a los músicos románticos, figuran las oberturas de concierto, las variaciones sinfónicas y los poemas sinfónicos. El principal compositor de poemas sinfónicos es Richard Strauss, pero su creador fue Franz Liszt, influenciado por el drama musical. 

A diferencia del clasicismo, se luchó por lograr una creación artística libre, que diera cause a los sentimientos humanos y a la inspiración del autor, o sea que no se respetaban tanto las reglas de composición a comparación. 

fuentes: http://www.socialhizo.com/entretenimiento/musica/historia-de-la-musica-periodo-romantico 

http://genesis.uag.mx/edmedia/material/tmusica/clase8.cfm

Adornos Musicales

Nota de paso:  lleva por grados conjuntos o cromáticamente de una nota a otra. Aparecen en el tiempo débil del compás. 

Bordado: es una o más notas que rodean a la nota principal por grados conjuntos o cromáticamente. Puede ser ascendente (superior) o descendente (inferior): Ocurre en el tiempo débil del compás. 

Apogiatura: Es una nota ajena al acorde que se toca en el tiempo o parte fuerte y que resuelve a una nota del acorde: Ocurre en la parte fuerte del compás. 

Accaciatura: También es denominada apoyatura breve en contraposición a la apoyatura, que puede designarse como apoyatura larga o doble. Se trata de una nota no armónica tocada un tono o un semitono por encima o por debajo de la nota principal y es liberada inmediatamente después.

El término proviene del verbo italiano acciaccare que significa «aplastar».

Trino; consiste en una rápida alternancia entre dos notas adyacentes, por lo general a un semitono o un tono de distancia, que puede ser identificado por el contexto del trino.