Este fue un recital de voz y piano, que era un proyecto audio-escenográfico... algo muy contemporáneo. Me pareció interesante y experimental, realmente podías sentir la profundidad de la música, la historia que de pronto aparecía por estas composiciones.
Inclusive sin haberle prestado atención al programa pude sentir bastante la diferencia entre las composiciones, para después descubrir que provenían de diferentes lugares mostrando una diversidad cultural.
La voz de esta soprano era bastante potente, además del pianista que le daba ese toque único. En una pieza tocó un percusionista, y el escenario era bastante bonito, un contraste atractivo.
Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura, Secretaria de Cultura. Alejandra Gutiérrez González
viernes, 23 de septiembre de 2016
Concierto "Vivaldi"
El concierto se centró en Vivaldi, y hubo ciertas composiciones muy particulares. Entre ellas el drama per música al cual tituló Moctezuma, no se sabe el porqué, pero lo que sí se sabe es que las partituras fueron mutiladas, se perdieron, se encontraron y entonces Samuel Maynez la reconstruyó, metiendo instrumentos del México antiguo con su respectivo toque. Me pareció maravilloso el que yo pudiera escuchar estas composiciones con tanta historia y apego Nacional, y honestamente me encantó.
Iniciaron muy suavemente, donde los instrumentos antiguos se hacían notar sonoramente entre los demás... Yo sentí que aquello le dio un toque de otro nivel, como que mágico.
A dúo tocaron la bandolina y el violín, y el contraste se escuchaba bastante bonito, y más aún con la mezzosoprano que los acompañaba.
El instrumento que más disfrute fue el violín, en especial en sus solos.
Iniciaron muy suavemente, donde los instrumentos antiguos se hacían notar sonoramente entre los demás... Yo sentí que aquello le dio un toque de otro nivel, como que mágico.
A dúo tocaron la bandolina y el violín, y el contraste se escuchaba bastante bonito, y más aún con la mezzosoprano que los acompañaba.
El instrumento que más disfrute fue el violín, en especial en sus solos.
jueves, 22 de septiembre de 2016
Formas musicales del clásico
Aunque hay varias formas musicales que se manifiestan en este
período musical, se señalarán a continuación las que son consideradas como las
representativas del mismo.
Concierto
Es una composición en la cual destaca un instrumento solista que alterna y se complementa con la Orquesta. A este instrumento solista se le llama Concertino y al resto de la Orquesta se le conoce como Tutti o Ripieno. El Concierto como forma musical surge del Concierto Solista de la época Barroca.
Sonata
La sonata es una forma musical destinada para ser ejecutada por pocos instrumentos. Aunque ya existía en el barroco, es en el período Clásico en donde adquiere su definitiva estructura. A diferencia de las sonatas de épocas anteriores, en el clasicismo pasó a reservarse este nombre para obras destinadas a un instrumento o un instrumento y piano. Su esquema se estableció con una exposición, un desarrollo y una re exposición la cual puede ser seguida de una coda
Es una composición en la cual destaca un instrumento solista que alterna y se complementa con la Orquesta. A este instrumento solista se le llama Concertino y al resto de la Orquesta se le conoce como Tutti o Ripieno. El Concierto como forma musical surge del Concierto Solista de la época Barroca.
Sonata
La sonata es una forma musical destinada para ser ejecutada por pocos instrumentos. Aunque ya existía en el barroco, es en el período Clásico en donde adquiere su definitiva estructura. A diferencia de las sonatas de épocas anteriores, en el clasicismo pasó a reservarse este nombre para obras destinadas a un instrumento o un instrumento y piano. Su esquema se estableció con una exposición, un desarrollo y una re exposición la cual puede ser seguida de una coda
Sinfonía
La Sinfonía (del griego, syn, ’juntos’; phone, ’sonido’), es una composición orquestal que suele constar de cuatro secciones contrastantes llamadas movimientos y, en algunas ocasiones, tiempos. Se dice que tiene el mismo esquema composicional de la Sonata, sólo que es para ser ejecutada por la Orquesta completa, por lo que se dice que es una “sonata para orquesta”. La palabra “sinfonía” fue utilizado por primera vez en el siglo XVI y se designaba de esta forma a los interludios instrumentales de formas como la cantata, la ópera y el oratorio. Un ejemplo notable es la ’Sinfonía pastoral’ del oratorio El Mesías (1742) de Georg Friedrich Händel. La sinfonía en su sentido moderno surge a comienzos del siglo XVIII.
La Sinfonía (del griego, syn, ’juntos’; phone, ’sonido’), es una composición orquestal que suele constar de cuatro secciones contrastantes llamadas movimientos y, en algunas ocasiones, tiempos. Se dice que tiene el mismo esquema composicional de la Sonata, sólo que es para ser ejecutada por la Orquesta completa, por lo que se dice que es una “sonata para orquesta”. La palabra “sinfonía” fue utilizado por primera vez en el siglo XVI y se designaba de esta forma a los interludios instrumentales de formas como la cantata, la ópera y el oratorio. Un ejemplo notable es la ’Sinfonía pastoral’ del oratorio El Mesías (1742) de Georg Friedrich Händel. La sinfonía en su sentido moderno surge a comienzos del siglo XVIII.
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El origen de la sinfonía lo encontramos en la Obertura de la ópera que tenía tres movimientos y en los experimentos instrumentales de la escuela italiana del norte, la escuela berlinesa y vienesa y la de Mannheim, que se convierten en centros de actividad sonatistica y sinfónica desde 1750 y en la que destacan compositores como Giovanni Sammartini y Johan Christian Bach. También se señala que es como la continuidad del “Concierto Grosso” en cuanto a que todos los instrumentos tienen igualdad de importancia en la ejecución. En el siglo XVIII la sinfonía adopta el uso de cuatro tiempos, siguiendo el esquema general de sonata que ya se ha mencionado.
El origen de la sinfonía lo encontramos en la Obertura de la ópera que tenía tres movimientos y en los experimentos instrumentales de la escuela italiana del norte, la escuela berlinesa y vienesa y la de Mannheim, que se convierten en centros de actividad sonatistica y sinfónica desde 1750 y en la que destacan compositores como Giovanni Sammartini y Johan Christian Bach. También se señala que es como la continuidad del “Concierto Grosso” en cuanto a que todos los instrumentos tienen igualdad de importancia en la ejecución. En el siglo XVIII la sinfonía adopta el uso de cuatro tiempos, siguiendo el esquema general de sonata que ya se ha mencionado.
Fuentes: http://www.icarito.cl/2009/12/366-461-9-las-formas-musicales-durante-el-periodo-clasico-2.shtml/
Sonata clásica
Por sonata se entiende, según el modelo clásico, tanto una
pieza musical completa, como un procedimiento compositivo que utiliza dos temas
generalmente contrastantes. Este procedimiento compositivo es conocido como
«forma sonata».
Sonata clásica: es una obra que consta de tres o cuatro
movimientos, compuesta para uno, dos o tres instrumentos. Inicialmente
predominaron las formas de tres movimientos, especialmente en la época clásica,
pero a medida que aumentaban tanto su complejidad como duración se
popularizaron las de cuatro movimientos.
fuentes: https://historiadelamusica.wordpress.com/2014/04/25/la-sonata-clasica/
fuentes: https://historiadelamusica.wordpress.com/2014/04/25/la-sonata-clasica/
Concierto
Es una actuación musical en «que se ejecutan composiciones
sueltas». En el ámbito de la música clásica occidental también es la forma
musical en la que los materiales melódicos, rítmicos y armónicos se combinan en
una composición, determinando así la cualidad sonora global de una pieza. Designa
la forma de relacionarse las diversas voces que intervienen en una pieza
musical, entendiendo como voces diversas líneas melódicas simultáneas, sean
vocales o instrumentales.
Existe un momento, llamado cadenza o cadencia, al final de
algunos movimientos, donde el solista toca sin acompañamiento, exponiendo su
técnica. En los periodos clásico y romántico, esta parte frecuentemente no era
escrita en la partitura, siendo improvisada o escrita por el instrumentista de
acuerdo a sus gustos y capacidades.
fuentes: https://es.wikipedia.org/wiki/Concierto
Familia Percusiones
Los
instrumentos de percusión son aquellos que producen el sonido al ser golpeados,
entrechocados, sacudidos, etc. Se clasifican en dos grandes categorías:
Instrumentos
de percusión de sonido indeterminado: no producen notas musicales
perfectamente afinadas. Su sonido no proporciona a nuestro oído una sensación
clara de altura. Tan sólo podemos decir si son más o menos graves o agudos. A
su vez se clasifican en tres grandes grupos, dependiendo del material en el que
estén construidos:
Madera:
la mayoría son instrumentos idiófonos (instrumentos en los que no se distingue
el elemento productor del sonido de la caja de resonancia). Castañuelas, claves
o bastones de percusión, maracas, güiro,
caja china, etc.
Metal:
crótalos o chinchines, platillos, gong, triángulos, cascabeles, cencerro, etc.
La mayoría son instrumentos idiófonos.
Parche:
son instrumentos membranófonos ya que poseen una o dos membranas sujetas al
cuerpo del instrumento que, a su vez, funciona como caja de resonancia.
Instrumentos de percusión
de sonido determinado:
el sonido que producen se corresponde con notas musicales perfectamente
afinadas. Otros ejemplos de instrumentos membranófonos de sonido más o menos
determinado son los bongos y las congas.
Idiofonos
de sonido determinado: xilófono, marimba (placas de madera de distinto tamaño
producen notas musicales perfectamente afinadas al ser golpeadas con baquetas),
metalófono, glockenspiel, vibráfono (similar al xilófono y la marimba con la
diferencia que ahora las placas no son de madera sino de metal), campanas
tubulares, etc.
fuentes: http://www.edu.xunta.gal/centros/ceipunionmugardesa/system/files/LOS+INSTRUMENTOS+DE+PERCUSI%C3%93N.pdf
fuentes: http://www.edu.xunta.gal/centros/ceipunionmugardesa/system/files/LOS+INSTRUMENTOS+DE+PERCUSI%C3%93N.pdf
Música clásica
Es la corriente musica que comprende
principalmente la música producida o basada en las tradiciones de la música litúrgica y secular de Occidente, principalmente Europa Occidental. Abarca un periodo de
tiempo que va aproximadamente del siglo XI a la actualidad, aunque
esta definición no es aplicable a la música realizada en nuestro siglo a pesar
de presentar las mismas características, si bien las principales
características del género fueron codificadas principalmente entre 1550 y 1900, que es habitualmente considerado como el período
característico de producción de la música clásica. En un sentido
historiográfico, la música clásica se divide en varios períodos: música antigua o
medieval,
que abarca el período comprendido por la Baja Edad Media en Europa (1000-1400);
la música renacentista (1400-1600); la música barroca, que coincide con
desarrollo del arte barroco (1600-1750); el clasicismo (1750-1800), que en la Historia de la
música y la musicología, es a veces llamado
«música clásica»; el Romanticismo (1800-1910); y la música contemporánea, que comprende las distintas corrientes
de música clásica del siglo XX, que adopta la composición atonal y disonante y otras tendencias
opuestas a corrientes anteriores.
Debido tanto a sus características técnicas, a
la creciente profesionalización de la profesión de músico y compositor, y al
contexto socio-cultural en el que se desarrolla (bajo el patronazgo de
aristocracia, iglesia y burguesía), la música clásica es habitualmente definida
como la música de tradición
culta.
Compositores:
Wolfgang Amadeus Mozart, Johann Christian Bach, Ludwig Van Beethoven, Frédéric
Chopín, Richard Wagner, Antonio Vivaldi.
fuentes: https://es.wikipedia.org/wiki/M%C3%BAsica_cl%C3%A1sica
sábado, 17 de septiembre de 2016
Formas musicales del Barroco
- Sonata
Es una forma musical que tiene que ser "sonada", o sea, tocada. Sus ejecutantes son pocos, generalmente de uno a dos, y cuando es una sonata para solista generalmente es en piano, por su alta capacidad de polifonia.
Es una forma ternaria: A-B-A. Se compone por una exposición donde se presentan dos temas que surgen a partir de ritmos y/o melodías totalmente independientes, de una sección central llamada desarrollo donde se juega un poco con las tonalidades, y la reexposición, en la que se vuelven a presentar los temas del principio pero con algunas modificaciones diferentes que dan paso a la coda final. Se compone en cuatro tiempos, cada uno de ellos compuesto bajo características determinadas.
- Tocata
Esta forma musical es libre con un carácter variable. Se piensa para ser ejecutada por un instrumento de teclado, como el clave o el órgano, y los principales autores fueron A. Gabrieli y C. Merulo.
Puede constar de varios tiempos de carácter diverso, con un movimiento vivo, alegre, o ya sea con un movimiento lento pero no menos apasionado. Su estructura consiste en secciones que se alternan, siendo de estilo libre e improvisado.
- Cantata
Esta forma musical pertenece al ámbito vocal, sin embargo también suele ser acompañada de instrumentos. En esta forma musical de puede distinguir el carácter religioso, y el profano. Los primeros interpretes fueron Caccini y Peri de Florencia.
Su interpretación era a varias voces o a una sola, la música instrumental que la acompañaba constaba de varios movimientos, y otras veces el acompañamiento era un coro.
Fuentes: http://www.melomanos.com/
Familia de Instrumentos Metal
La familia de aliento-metal son instrumentos que al igual que la familia de aliento madera, suenan por medio de la vibración del aire que pasa por ellos. Una de las diferencias se logra por el manejo de la boquilla cónica que se encuentra al principio del instrumento, donde se posicionan los labios que son el vibrador principal para hacer sonar el instrumento.
Sus orígenes están en los conductos fabricados por madera, por lo cual la complexión actual se le debe a una serie de innovaciones que esta familia tuvo
.
Fuentes: https://sites.google.com/site/orqsinf2012/conformacion-y-ubicacion/alientos-metal
Música Barroca
Es un estilo musical europeo que abarca desde el nacimiento de la opera, aproximadamente en 1600 hasta la muerte de Bach, en 1750, es una de las épocas mas largas e importantes de la música occidental. Se caracteriza por el uso del bajo continuo y la aparición de la tonalidad.
Además se impone el sistema armónico y la disonancia, se puede apreciar una diferencia entre los los estilos musicales, en especial entre la música instrumental y la vocal por el gran contraste sonoro.
En esta época la música profana y la sacra pueden convivir armoniosamente en una fusión en la que se busca lo emocional por arriba de todo.
Se desarrollan como nuevas formas la sonata, el concierto grosso, la ópera y el oratorio.
Los periodos de esta época se clasifican en el barroco temprano(1600-1650), en el cual se empieza a dar un valor enorme a las palabras a través de la música. Se busca la disonancia.
Se destaca a este compositor de inusual talento; Claudio Monteverdi.
En el barroco medio(1650-1700) se da la ópera y la cantata, y sus principales compositores fueron Henry Purcell (inglés) y Johan Pachelbel.
En el barroco tardío (1700-1750) aparece el concerto y se utiliza un énfasis con ritmo muy marcado. Hay más música instrumental que vocal.
Los principales compositores fueron Domenico Scarlatti de España, Antonio Vivaldi de Italia, George Friedrich Händel de Inglaterra, Johann Sebastian Bach en Alemania y Jean Philippe Rameau de Francia.
Formas instrumentales:
Se ve una perfección en la música instrumental
Además se impone el sistema armónico y la disonancia, se puede apreciar una diferencia entre los los estilos musicales, en especial entre la música instrumental y la vocal por el gran contraste sonoro.
En esta época la música profana y la sacra pueden convivir armoniosamente en una fusión en la que se busca lo emocional por arriba de todo.
Se desarrollan como nuevas formas la sonata, el concierto grosso, la ópera y el oratorio.
Los periodos de esta época se clasifican en el barroco temprano(1600-1650), en el cual se empieza a dar un valor enorme a las palabras a través de la música. Se busca la disonancia.
Se destaca a este compositor de inusual talento; Claudio Monteverdi.
En el barroco tardío (1700-1750) aparece el concerto y se utiliza un énfasis con ritmo muy marcado. Hay más música instrumental que vocal.
Los principales compositores fueron Domenico Scarlatti de España, Antonio Vivaldi de Italia, George Friedrich Händel de Inglaterra, Johann Sebastian Bach en Alemania y Jean Philippe Rameau de Francia.
Formas instrumentales:
Se ve una perfección en la música instrumental
- Sonata: música para ser sonada. Los instrumentos carecen de acompañamiento, cómo por ejemplo un solo de piano. Los movimientos son: allegro, andante, moderato, vivace.
- Concerto: que consta de tres movimientos contrapuestos: allegro, lento, allegro. El concerto grosso es cuando se trata para un grupo de solistas y orquestas.
Formas musicales vocales
A) Profanas
- Opera: tiene un carácter narrativo con presentación escénica. Tiene una apertura en la que interviene la parte meramente instrumental, además de los interludios, que son las partes que se intercalan entre la opera.
B) Religiosas
- Oratorio: carácter narrativo sin presentación escénica. Se canta un drama de carácter religioso sobre el Testamento y en el los personajes no actúan, sólo cantan. Intervienen orquestas, coros y solistas.
- Cantata: se compone de un texto religioso de carácter lírico en el que interviene una orquesta y un coro.
Fuente: http://aprendemusica.es/Musicas/3_ESO/UD3_Barroco.Latinoamerica/BARROCO_exeL/Barroco/msica_barroca1.html
sábado, 10 de septiembre de 2016
Bajo Cifrado
El bajo cifrado es, como su nombre lo dice, un cifrado musical. Igualmente se origino en el barroco, a partir del bajo continuo. La diferencia que existe es que ese no se escribe de manera improvisada como en el continuo. Es una representación mixta donde en la línea convencional de bajo se escriben las cifras representando los acordes que deben realizarse simultáneamente. O sea es un lenguaje de abreviaturas armónicas.
La realización se dejaba a la ejecución o inspiración del instrumentista, que en muchas ocasiones era el director de la orquesta con el clave, o el maestro de capilla con el órgano.
Fuentes: https://es.wikipedia.org/wiki/Bajo_cifrado
Película "Amadeus"
Esta película nos narra la vida de Mozart, sin embargo es vista desde un punto bastante alterno, o sea es narrada por su "rival"Antonio Salieri. Este hombre en los delirios de la vejez y el suicidio aclama que él mató a Mozart, por lo que comienza su historia cuando un sacerdote va a visitarlo en el manicomio donde está encerrado.
Creo que este rival es simplemente un personaje, ya que carece de alguna validez histórica, sin embargo da pie a una historia bastante interesante sobre la vida del genio musical que todos conocemos, sin realmente conocer. Antonio ve en Mozart todo lo que él no puede ser, lo ve crecer día con día, ante Mozart se abren millones de puertas mientras que para Antonio todas siguen cerradas.
Lo que sí tienen en común es que ambos son amantes de la música, y en este historia nos muestran a Mozart como un hombre extravagante, siempre eufórico y hasta un poco loco. El hecho de que no siguiera su biografía como tal dio paso a otras pequeñas historias que hacen más amena la historia y a decir verdad no te aburre con tanto hecho histórico como si relataran su vida meramente profesional. Es un drama, por que podemos ver cómo Mozart con el paso del tiempo pierde esa característica euforia por los "gajos del oficio".
Creo que este rival es simplemente un personaje, ya que carece de alguna validez histórica, sin embargo da pie a una historia bastante interesante sobre la vida del genio musical que todos conocemos, sin realmente conocer. Antonio ve en Mozart todo lo que él no puede ser, lo ve crecer día con día, ante Mozart se abren millones de puertas mientras que para Antonio todas siguen cerradas.
Lo que sí tienen en común es que ambos son amantes de la música, y en este historia nos muestran a Mozart como un hombre extravagante, siempre eufórico y hasta un poco loco. El hecho de que no siguiera su biografía como tal dio paso a otras pequeñas historias que hacen más amena la historia y a decir verdad no te aburre con tanto hecho histórico como si relataran su vida meramente profesional. Es un drama, por que podemos ver cómo Mozart con el paso del tiempo pierde esa característica euforia por los "gajos del oficio".
Bajo continuo
Cuando la polifonia estaba un poco en el declive, en el Barro nació un sistema de acompañamiento a base de los acordes típicos de la época. Esto era el bajo continuo, donde los compositores solían escribir unas cifras sobre las notas en la línea de abajo indicando a los interpretes los acordes con los que debían improvisar.
Se le conoce como una técnica musical, que se podía desarrollar con cualquier instrumento polifónico de la época.
Un ejemplo de quien utilizo esta técnica fue Vivaldi, Bach y Händel.
Fuentes: https://fuentemusica.blogspot.mx/2012/09/bajo-continuo.html
Fuentes: https://fuentemusica.blogspot.mx/2012/09/bajo-continuo.html
Familia de Instrumentos Madera
Se le conoce también como instrumentos de viento, es decir, viento madera. Este tipo de instrumentos es básicamente un tubo alargado en donde se genera una columna de aire al atravesarlo, lo cual lo hace vibrar. Se les conoce así por que antes se hacían en su totalidad de madera, sin embargo en la actualidad algunos son de metal, aunque siguen conservando el nombre.
- Oboe: se ejecuta al hacer vibrar dos cañas localizadas en la boquilla, lo cual genera un sonido un tanto nasal que se altera con las diferentes llaves.
- Clarinete: tiene una caña en la boquilla, y su sonido es más brillante. Su nombre significa pequeña trompeta.
- Corno inglés: no es un corno ni es inglés, es parecido al oboe sin embargo esta afinado una 5ta debajo.
- Fagot: tiene doble lengueta, y mide más de metro y medio aproximadamente. Su sonido es grave.
- Flauta: su diversidad es grande puesto que se encuentra en muchas culturas. No usa caña, y se ejecuta transversalmente.
Fuentes: http://www.el-atril.com/orquesta/Maderas.htm
http://esperanzaazteca.com/contenido.aspx?p=Maderases
Canto Gregoriano
El canto gregoriano es un tipo de música cristiana, con su nombre proveniente del papa Gregorio I (590-604), quien introdujo importantes cambios en la música heredada para que existieran estos cantos.
La uso del latín como lengua principal en los cantos obligo a traducir los salmos utilizados hasta entonces, que se interpretaban a capella, o sea sin acompañamiento instrumental.
Se solía cantar al unísono, con una sola nota a la vez, lo cual hacía que todos los cantantes entonaran la misma melodía. A esto se le llamaba monodia. Su ritmo no tenía características meramente específicas, ya que se basaba al ritmo del texto latino.
Cabe mencionar que estos cantos eran interpretados por voces masculinas ya que eran de carácter puramente religioso, donde la mujer no tenía lugar.
Su repertorio era anónimo, y se clasificaba según diversos criterios:
- Por su interpretación: según el estilo responsorial (alternancia de un solista con coro), estilo antifonal (alternancia de dos coros) y el estilo directo (sólo hay un coro o un solista).
- Por el tipo de texto: bíblicos y no bíblicos.
- Por el número de notas cantadas por sílaba: silábico (una nota por sílaba), neumático o adornado (con dos a tres por sílaba) y florido o melismático (más de tres notas por sílaba).
Estaba escrito en tetragramas, 4 líneas. Tuvo un gran impacto en el desarrollo de la música occidental, especialmente en la música medieval y del renacimiento Además de que el pentagrama moderno procede directamente de las neumas gregorianas.
Fuentes: http://interletras.com/canticum/caracteristicas.html
https://es.wikipedia.org/wiki/Canto_gregoriano
Música Medieval
La música medieval comprende la época de la Edad Media en Europa, aproximadamente entre la caída del Imperio Romano de Occidente en 476 y siglo XV.
La música de esta época era en su mayoría de carácter religioso, ya que en ese momento se regían por el teocentrismo, donde Dios es centro de todo. De hecho la única música que había sido escrita estaba directamente ligada con la Iglesia, por monasterios, donde redice el saber, además de ser los únicos lugares donde se producían los manuscritos.
Los caracteres musicales se dividen en tres principales grupos:
Esta época fue muy importante para la música como hoy la conocemos, ya que asentó las bases para su desarrollo.
Se buscaba una forma para escribir la música, más exacta que la notación alfabética, que fue heredada por Grecia y Roma. De esta manera surgió la notación neumática, que con figuras llamadas neumas hacían referencia a cada silaba, a su altura, duración y a la relación que tenía.
Para la escritura se utilizaban te cuatro a cinco líneas paralelas correspondiendo al actual pentagrama, ese sistema se le atribuye a Guido d'Arezzo, que además le puso nombre utilizando el himno a Juan Bautista, del que cogió la primera silaba de cada frase.
La nota UT pasó a llamarse Do, y aunque existen muchas teorías, la que mas predomina es la que se le atribuye el Do a la palabra Dominus, que es Señor en latín. Otras sin embargo atribuyen que fue Do por su terminal en vocal, que era fácil de solfear.
La música medieval se caracteriza por el principal uso de los instrumentos de cuerda, como la viola, el arpa, el laúd, y los tipos de guitarra, entre otros. Le seguían los instrumentos de viento, que en su mayoría eran de madera, como las flautas, o el oboe, sin embargo también habían de metal, como las trompetas.
Los instrumentos de percusión no eran utilizados muy frecuentemente, de hecho, los únicos funcionales eran las campanas que usaban en las misas.
Fuentes: http://tono-menor.blogspot.mx/2011/10/historia-musica-medieval-i.html
La música de esta época era en su mayoría de carácter religioso, ya que en ese momento se regían por el teocentrismo, donde Dios es centro de todo. De hecho la única música que había sido escrita estaba directamente ligada con la Iglesia, por monasterios, donde redice el saber, además de ser los únicos lugares donde se producían los manuscritos.
Los caracteres musicales se dividen en tres principales grupos:
- Canto gregoriano: se le domina así por Gregorio Magno, que era una oración cantada. Es el repertorio mas antiguo y extenso y tenía una textura monódica con escalas modales, ritmo libre, cantado en latín de autores anónimos. Escrita a una sola voz.
- La música profana o de trovadores: su temática solía ser amorosa o de acontecimientos importantes, aunque su escritura es semejante a la del canto gregoriano, era interpretada con acompañamiento instrumental y compás indefinido. De este tipo de música no hay registros escritos, ya que se iba propagando entre trovador y trovador.
- La polifonía: es un tipo de canto que se inventó en esta época, bajo influencias de los cantos en la Baja Edad Media, estaba escrita a varías voces, formando armonías y compartiendo ritmos similares. Al principio se interpretaba de una manera religiosa solamente, sin embargo después también se dio la profana. Su principal auge se dio en el Ars Antiqua y Ars Nova.
Esta época fue muy importante para la música como hoy la conocemos, ya que asentó las bases para su desarrollo.
Se buscaba una forma para escribir la música, más exacta que la notación alfabética, que fue heredada por Grecia y Roma. De esta manera surgió la notación neumática, que con figuras llamadas neumas hacían referencia a cada silaba, a su altura, duración y a la relación que tenía.
Para la escritura se utilizaban te cuatro a cinco líneas paralelas correspondiendo al actual pentagrama, ese sistema se le atribuye a Guido d'Arezzo, que además le puso nombre utilizando el himno a Juan Bautista, del que cogió la primera silaba de cada frase.
Ut queant laxis
Resonare fibris
Mira tourum
Famuli gestorum
Solve polluti
Labii reatum
Sancte Iohannes
La nota UT pasó a llamarse Do, y aunque existen muchas teorías, la que mas predomina es la que se le atribuye el Do a la palabra Dominus, que es Señor en latín. Otras sin embargo atribuyen que fue Do por su terminal en vocal, que era fácil de solfear.
La música medieval se caracteriza por el principal uso de los instrumentos de cuerda, como la viola, el arpa, el laúd, y los tipos de guitarra, entre otros. Le seguían los instrumentos de viento, que en su mayoría eran de madera, como las flautas, o el oboe, sin embargo también habían de metal, como las trompetas.
Los instrumentos de percusión no eran utilizados muy frecuentemente, de hecho, los únicos funcionales eran las campanas que usaban en las misas.
Himno a Juan Bautista, Guido d'Arezzo.
Fuentes: http://tono-menor.blogspot.mx/2011/10/historia-musica-medieval-i.html
viernes, 9 de septiembre de 2016
Tratado de Armonía, Capítulo III "Consonancia y Disonancia".
El arte es una imitación de la naturaleza, pero hasta cierta forma más compleja. Se busca sentir más y no basta con imitarla superficialmente, sino en su interior.
Schonberg nos habla de la consonancia y la disonancia, y cómo al igual que con la teoría de colores, estas parten del sujeto. Los colores son percibidos por el sujeto de diferentes maneras, de a cuerdo a sus capacidades, al igual que los armónicos.
La materia de la música es el sonido que actúa directamente sobre el oído, o sea el sujeto. Esta sensible percepción provoca una relación en el sonido, el oído y el mundo sensorial, para así nosotros dictaminar las sensaciones producidas por la música.
Es por eso que aunque una persona no sepa nada de música, podrá saber saber cuando algo se encuentra desafinado o "disonante", por la sensación de malestar que esta produce.
El sonido con todas sus peculiaridades es la propiedad más notable en los armónicos superiores o consonantes, ya que son más perceptibles al oído humano, mas cercanas a la tonalidad "perfecta": Nos dice que los disonantes deberían ser considerados de igual manera, sin embargo, no es posible oír que estos armónicos inferiores se encuentran más alejados al oído, más difíciles de distinguir hasta el punto de sonar como timbres molestos sin relación alguna.
Después del unísono la consonancia más perfecta es la primera en los armónicos; la octava. Por eso su familiar uso. Sigue la quinta y la tercera mayor por su relación,
Las que no tienen una relación con el sonido fundamental son la tercera menor y sexta mayores y menor, por eso no están en los armónicos.
Sin embargo la cuarta sí es considerada consonancia imperfecta, debido a su relación con el sonido fundamental, y así mismo debería considerarse a la 3ra menor, y la 6ta mayor y menor.
Pero sólo son consideradas disonantes la segunda mayor y menor, séptima mayor y menor, etc, y a los intervalos aumentados o disminuidos.
Schonberg nos habla de la consonancia y la disonancia, y cómo al igual que con la teoría de colores, estas parten del sujeto. Los colores son percibidos por el sujeto de diferentes maneras, de a cuerdo a sus capacidades, al igual que los armónicos.
La materia de la música es el sonido que actúa directamente sobre el oído, o sea el sujeto. Esta sensible percepción provoca una relación en el sonido, el oído y el mundo sensorial, para así nosotros dictaminar las sensaciones producidas por la música.
Es por eso que aunque una persona no sepa nada de música, podrá saber saber cuando algo se encuentra desafinado o "disonante", por la sensación de malestar que esta produce.
El sonido con todas sus peculiaridades es la propiedad más notable en los armónicos superiores o consonantes, ya que son más perceptibles al oído humano, mas cercanas a la tonalidad "perfecta": Nos dice que los disonantes deberían ser considerados de igual manera, sin embargo, no es posible oír que estos armónicos inferiores se encuentran más alejados al oído, más difíciles de distinguir hasta el punto de sonar como timbres molestos sin relación alguna.
Después del unísono la consonancia más perfecta es la primera en los armónicos; la octava. Por eso su familiar uso. Sigue la quinta y la tercera mayor por su relación,
Las que no tienen una relación con el sonido fundamental son la tercera menor y sexta mayores y menor, por eso no están en los armónicos.
Sin embargo la cuarta sí es considerada consonancia imperfecta, debido a su relación con el sonido fundamental, y así mismo debería considerarse a la 3ra menor, y la 6ta mayor y menor.
Pero sólo son consideradas disonantes la segunda mayor y menor, séptima mayor y menor, etc, y a los intervalos aumentados o disminuidos.
jueves, 8 de septiembre de 2016
Película "Farinelli il castrato"
Nos narra la vida de Carlo Brochi, conocido como Farinelli, quien fue uno de los mejores castratos de todos los tiempos.
Es interesante ver el cómo se vivía en aquella época, y cual era la posición de los músicos ante la sociedad, en especial la de los hermanos Brochi, y como poco a poco se fueron haciendo de su fama, que era buena y mala.
Carlo tenía una voz espectacular, y por eso mismo, de pequeño le temía a castración, la cual la había visto de cerca en algunas ocasiones, sin embargo, con el fin de conservar esa magnifica voz, su hermano mayor, Ricardo, lo castró, quien a lo largo de sus vidas toma la responsabilidad de su protector.
Conforme el tiempo pasaba, Carlo "Farinelli" se convirtió en un éxito rotundo, era aclamado por todas partes y quien componía las piezas que el cantaba era su hermano.
Sin embargo, pese a la gloria que como cantante tenía, mucha gente hablaba de él con horror, ya que a pesar de que la castración fuera una manera común de preservar la voz, seguía siendo una clase anomalía, un error en la naturaleza. A consecuencia había una enorme conmoción y Farinelli no podía hallarse en su totalidad.
Me gustó comprender el desarollo que Ricardo y Carlo tenían, y los arreglos y el ambiente musical en general de la película, sin embargo hubo veces en las que la película en general me pareció un poco tediosa, algo larga, supongo que fue por que no tenía mucho conocimiento de la época o su música como creía.
Es interesante ver el cómo se vivía en aquella época, y cual era la posición de los músicos ante la sociedad, en especial la de los hermanos Brochi, y como poco a poco se fueron haciendo de su fama, que era buena y mala.
Carlo tenía una voz espectacular, y por eso mismo, de pequeño le temía a castración, la cual la había visto de cerca en algunas ocasiones, sin embargo, con el fin de conservar esa magnifica voz, su hermano mayor, Ricardo, lo castró, quien a lo largo de sus vidas toma la responsabilidad de su protector.
Conforme el tiempo pasaba, Carlo "Farinelli" se convirtió en un éxito rotundo, era aclamado por todas partes y quien componía las piezas que el cantaba era su hermano.
Sin embargo, pese a la gloria que como cantante tenía, mucha gente hablaba de él con horror, ya que a pesar de que la castración fuera una manera común de preservar la voz, seguía siendo una clase anomalía, un error en la naturaleza. A consecuencia había una enorme conmoción y Farinelli no podía hallarse en su totalidad.
Me gustó comprender el desarollo que Ricardo y Carlo tenían, y los arreglos y el ambiente musical en general de la película, sin embargo hubo veces en las que la película en general me pareció un poco tediosa, algo larga, supongo que fue por que no tenía mucho conocimiento de la época o su música como creía.
Película "Donald en el país de las matemáticas".
Me encantó como se las ingenio Disney para explicar de una manera súper sencilla las matemáticas en la música, haciendo hincapié en las matemáticas habitando todos los lugares. . Me hubiese gustado ver esta pequeña cinta antes y ahorrarme ciertas complicaciones.
Comprendí de donde viene el sistema temperado, y me pareció importante descubrir sobre esta fraternidad secreta a la que le debemos el sistema de hoy en día.
La sección áurea fue la tarea más difícil que no pude comprender en su totalidad a la primera, y las figuras que ocupan en este corto me sirvieron de mucho, verlo de una manera más gráfica me aclaro todo.
Me pareció interesante que de la estrella saliera esta sección de oro, de la cual a su vez salía el rectángulo perfecto que literalmente está en todas partes, inclusive en las que menos lo esperas.
Me fascino bastante ver esta proporción perfecta en todos lados, cada vez la descubría en más y más lugares.
"Las matemáticas son el alfabeto con el cual Dios ha escrito al Universo".
Comprendí de donde viene el sistema temperado, y me pareció importante descubrir sobre esta fraternidad secreta a la que le debemos el sistema de hoy en día.
La sección áurea fue la tarea más difícil que no pude comprender en su totalidad a la primera, y las figuras que ocupan en este corto me sirvieron de mucho, verlo de una manera más gráfica me aclaro todo.
Me pareció interesante que de la estrella saliera esta sección de oro, de la cual a su vez salía el rectángulo perfecto que literalmente está en todas partes, inclusive en las que menos lo esperas.
Me fascino bastante ver esta proporción perfecta en todos lados, cada vez la descubría en más y más lugares.
"Las matemáticas son el alfabeto con el cual Dios ha escrito al Universo".
viernes, 2 de septiembre de 2016
Familia de Instrumentos (en una orquesta)
Los instrumentos de una orquesta se componen de cuatro familias:
- Cuerdas
- Maderas-viento
- Metales-viento
- Percusión.
La sección de cuerdas es la familia más numerosa de la orquesta. El material de las cuerdas de estos instrumentos normalmente están formadas de acero, nylon o tripa.
La vibración de las cuerdas es la que produce el sonido, cuando mayor sea el instrumento más bajos serán sus tonos. A excepción de la arpa, todos los instrumentos de cuerda tienen cuerpos con curva, con cuellos largos y están hechos de madera.
Las cuerdas pueden ser
- frotadas (violín, violas, violonchelo)
- punteadas (contrabajo, arpas)
- percutidas
Los instrumentos que se hacían antes estaban hechos de madera en su totalidas, sin embargo, hoy en día se usa de igual manera el metal, o combinados.
Se le llama madera-viento, refiriéndose al material y al aire que se necesita soplar para que exista un sonido.
Los instrumentos de la familia metal-viento producen los sonidos más altos de toda la orquesta. Son tubos largos con boquilla en forma de copa y con el extremo inferior en forma de campana. Estos instrumentos tienen válvulas que se asemejan a los botones y cuando uno las presiona estas abren y cierran partes del tuvo, cambiando su sonido.
La familia de las percusiones encierra diversos instrumentos, desde los más pequeños hasta los más grandes, se usan para mantener el ritmo, crear textura o hacer sonidos particulares.
fuentes: http://promotoradelasbellas.ipage.com/MiFestival/familia-de-instrumentos/
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